Le Bonheur de vivre, 1905-1906  –  Fondation Barnes, Philadelphie (Etats-Unis)

Matisse (1869-1954) a marqué le XX ème siècle de son art. Farouchement moderne sans céder à l’abstraction, il a manié le trait, la couleur, le mouvement, avec virtuosité. Dans une œuvre abondante qui aborde toutes les techniques (peinture, dessin, sculpture, gouache découpée, vitraux) le bonheur de peindre et celui de vivre ne font qu’un.

Choisir de l’évoquer au travers d’un petit nombre de tableaux est ardu. Mais en cette fin d’année 2020 qui célèbre les cent cinquante ans de sa naissance, revenons vers l’un des rares peintres heureux de vivre. Même lorsque les obsessions mémorielles deviennent exaspérantes, lorsqu’il s’agit de Matisse, on ne résiste pas.

Né au Cateau-Cambrésis, petite ville du Nord de la France, il a passé le plus clair de son temps dans la lumière du Midi qui l’a ébloui lors d’un voyage en Corse. Par la suite il deviendra l’un des plus grands voyageurs de son temps, n’ignorant aucun continent et se nourrissant de leurs cultures.

Considéré comme le manifeste du fauvisme, ce tableau représente une sorte de jardin d’Eden, peuplé de figures masculines et féminines qui s’adonnent aux plaisirs de la musique et de la danse, heureux comme dans un rêve. On retrouve dans ce tableau une référence au Déjeuner sur l’herbe de Manet et aux Baigneuses de Cézanne.

Au Salon de 1905, il fait scandale, avec ses amis par l’usage immodéré et expressionniste des couleurs. Ils deviennent « des fauves ».

Matisse s’explique souvent sur sa peinture : « Le choix de mes couleurs ne repose sur aucune théorie scientifique. Il est basé sur l’observation, sur le sentiment, sur l’expérience de la sensibilité. Je cherche simplement à poser des couleurs qui rendent ma sensation. Je me sers de la couleur comme moyen d’expression de mon émotion et non de transcription de la nature. J’essaye d’y mettre de la sérénité ».

Ce tableau fut immédiatement acheté par Leo Stein, frère de Gertrude et de Michael marié à Sarah. La famille Stein, collectionneurs milliardaires se sont entichés de Matisse, avant de lui préférer Picasso.

Dans les années 1930, Matisse fait un triomphe à New York où naît une galerie Matisse. Un autre célèbre collectionneur Albert Barnes achète, à son tour,  Le Bonheur de Vivre, et l’installe dans une Fondation Barnes, près de Philadelphie à Merion, où on peut toujours l’admirer. C’est une grande toile de 176 x 240 cm.

La desserte rouge, 1908  –  Saint-Pétersbourg, musée de l’Hermitage

Dès 1905, Matisse est aussi repéré par Chtchoukine, richissime collectionneur russe qui veut décorer son hôtel particulier de Moscou. Il va acheter une centaine de toiles de Matisse, dont il sera dépossédé lors de la révolution de 1917 et qui se retrouvent aujourd’hui, en partie, au musée de l’Hermitage de Saint-Pétersbourg. C’est encore un grand format (180 x 220 cm).

Dans ce tableau d’un intérieur bourgeois, un angle est occupé par un paysage, un tableau dans le tableau, exercice classique chez les peintres. L’espace est créé par le champ continu de la couleur rouge où circule une grande arabesque bleue reliant les courbes des motifs. Les verticales servent d’armature.

Une servante, qui ne nous regarde pas, arrange des fruits sur la table. Le jaune des fruits essaime sur la table puis franchit la fenêtre ouverte jusque dans l’herbe, reliant l’espace intérieur et l’espace extérieur. Cet exercice, qui conjugue le dehors et le dedans est présent dans un grand nombre d’œuvres de Matisse.

Le peintre revendique ce tableau comme étant décoratif. Il le fera toujours, même si le mot décoratif a aujourd’hui une connotation péjorative.

La danse, 1909-10, huile sur toiles 260 x 391 cm – Saint-Pétersbourg, musée de l’Hermitage

La Danse (et La Musique) sont des tableaux commandés par Sergueï Chtchoukine pour décorer l’escalier de son hôtel de Moscou.

La danse est un thème cher à Henri Matisse. Ce motif figure déjà dans le tableau du Bonheur de vivre, (voir ci-dessus) en arrière plan. Cinq ans plus tard, cette œuvre est une version simplifiée, proche de l’abstraction. Trois couleurs seulement sont utilisées, en larges aplats : le vert pour la terre, le bleu pour le ciel et un rouge léger pour les corps des danseurs, hommes et femmes.

La grande nouveauté de cette œuvre réside dans le dynamisme des corps animés d’une puissante tension vitale. Cet idéal de beauté s’exprime en une synthèse absolue de musique, de poésie et de peinture.

Mais attention, les personnages sont indifférents les uns aux autres et le rythme est rompu puisque deux mains ne peuvent se joindre. Est-ce une invitation à entrer dans la danse, vous ou moi ?   Est-ce une référence aux mains de Dieu et d’Adam peintes par Michel Ange au plafond de la chapelle Sixtine ?

Cette œuvre est aussi une réponse à Picasso, grand ami et encore plus grand rival. Mais leur compétition fut fructueuse. Picasso a écrit « Moi j’ai le dessin et je cherche la couleur. Vous avez la couleur et vous cherchez le dessin.

Porte-fenêtre à Collioure, septembre-octobre 1914 – Centre Georges Pompidou, Paris

La fenêtre est un autre thème récurrent dans l’œuvre de matisse, ouverte ou fermée.

Elle est à la fois un obstacle au regard et le lieu de tous les possibles. Elle revient par intermittence, entre deux voyages en Russie ou au Maroc. Pour Matisse « la rétine n’est que la fenêtre derrière laquelle se tient un homme, où intervient son intériorité ».

Plusieurs des fenêtres peintes à Collioure sont ouvertes sur des espaces très colorés.

Ce tableau, choisi à dessein, est tout autre. Il n’est ni daté, ni signé. Il n’a jamais été exposé avant 1966. Il a été acquis par le centre Pompidou en 1983. Mais Matisse en a beaucoup parlé à sa femme, Amélie et appelle ce tableau : Le balcon ouvert.

La Première Guerre mondiale est proche, mais en raison de sa santé il ne sera pas mobilisé. Le noir pur s’impose comme en écho aux jours sombres. Nous revoici à la limite de l’abstraction. Une série de verticales permet de passer du dedans (gris foncé) au dehors figuré par une nuit très noire, cernée par des volets bleus à peine suggérés. Espaces sans limites, couleurs qui se répondent (une couleur n’est valable qu’avec sa voisine, dit-il), il nous autorise à voir ou à imaginer ce que l’on veut. S’il a inspiré Soulages, il a aussi inspiré de nombreux peintres américains dont Hopper, Diebenkorn, San Francis ou Joan Mitchell.

Auguste Pellerin II – 1916-1917  –  Centre Georges Pompidou Paris

Matisse a réalisé beaucoup de portraits dans sa vie : des autoportraits, des portraits de sa femme ou de sa fille Marguerite. Les portraits de sa femme tels que La raie verte et Femme au chapeau, en 1905, ont fait scandale parce qu’ils ne sont pas ressemblants et qu’ils offrent une polyphonie étrange. Le peintre réalise souvent des paires de portraits, le 2^ème étant plus épuré, ainsi en est-il de cet Auguste Pellerin dans la 2^ème version.

Auguste, encore un richissime homme d’affaires, qui possède déjà des Manet, des Cézanne, des Rodin, veut que Henri lui fasse un portrait. Le premier ne lui convient pas, Matisse lui propose cette version. Le noir est ici obsédant : celui de la veste d’abord, à peine éclairée par le petit point rouge de la Légion d’Honneur, celui du visage réalisé en quelques aplats de noir pour les yeux, les sourcils et des cernes pour les joues.

Ce personnage nous regarde sans nous voir, sans expression, présent-absent. Il ressemble à un masque africain dont très tôt Matisse fit collection.

Sur le fond noir, apparaît un cadre jaune, nous l’avons déjà vu dans Desserte rouge et, tableau dans le tableau, un morceau d’un tableau de Raphaël est reproduit. Encore une référence à un artiste admiré…

Intérieur bocal de poissons rouges 1914 –  Centre Georges Pompidou Paris

Ce tableau est aussi une commande de Chtchoukine, mais il ne lui a jamais parvenu, à cause de la guerre. Il a été acquis par la baronne Gourgaud, qui en a fait don en 1965 au centre Pompidou.

Encore un fenêtre, celle de l’appartement-atelier qu’il occupe au 19 quai Saint-Michel face à la Seine. Cette fenêtre est-elle ouverte ou fermée ?

Matisse contemple le paysage, tout est calme et serein. Des poissons rouges flottent dans un   bocal. Le bleu du bocal est celui de la Seine, puis du ciel. Le vert de la jatte est celui de la plante qui traverse la vitre pour rejoindre le quai de la Seine, vert aussi, au pied de la préfecture de police. Même les lignes verticales qui scandent le tableau sont douces.

Etre heureux comme un poisson dans l’eau ? Et si c’était vrai ?

La tristesse du roi, 1952  –  Centre Georges Pompidou Paris

Les décennies ont passé, l’inspiration du peintre s’est presque tarie, il voyage encore beaucoup : à Tahiti, sur les pas de Gauguin, aux Etats-Unis où il est toujours bien accueilli. De 1938 à 1943, il s’installe à Nice, sur les hauteurs de Cimiez dans l’hôtel Régina,  puis à Vence jusqu’en 1949. Il y réalisera les vitraux de la chapelle du Rosaire.

Après de graves problèmes de santé, Henri Matisse est cloué dans un fauteuil mais il déborde toujours d’activité et d’inventivité. Pendant les 20 dernières années de sa vie, il découpe des feuilles de couleur qu’il a peintes à la gouache, pour créer des revues, des catalogues, des affiches, des panneaux muraux et à la fin, des vitraux. Toujours il est en quête constante de symbiose entre la forme et la couleur.

Ce roi triste est le personnage qui gratte une espèce de guitare de laquelle s’échappe un vol de pépites jaunes faisant le tour de la composition pour aboutir en masse autour d’une chanteuse-danseuse, dessinée en quelques cernes noirs. Cette composition évoque Abisag, jeune vierge choisie par les serviteurs du roi David pour veiller sur le roi pendant ses derniers jours.

Il écrit alors : « On ne peut s’empêcher de vieillir, mais on peut s’empêcher de devenir vieux.

Nu bleu IV, 1952 – Musée Matisse à Nice

Il s’agit d’une série de quatre collages, réalisée alors qu’il a plus de 80 ans. Elle n’est composée que de morceaux de papier bleu, et à chaque fois il s’agit d’une silhouette de femme simplifiée à l’extrême, mais où l’on voit clairement le travail de l’artiste, les traces du fusain.

Les  « p’tits » papiers de Matisse », qu’ils soient violemment bariolés comme dans La tristesse du roi ou épurés à l’extrême comme ces Nus bleus, gardent une grâce infinie, celle de l’amour des femmes en particulier et du bonheur de peindre à partager avec tous ses admirateurs. Picasso fut épaté et admirateur, d’autres se moquèrent ouvertement de ces découpages.

Pendant 60 ans, artiste obstiné et indépendant, Henri Matisse a accompli une œuvre toujours renouvelée. Il s’est servi de la couleur avec hardiesse et violence, pour exprimer sa conception idéalisée du monde qu’il a voulu représenter dans son intensité la plus heureuse.

Il écrit « ce dont je rêve, c’est un art d’équilibre, de pureté, de tranquillité, sans sujet inquiétant ou préoccupant, qui soit pour le travailleur cérébral ou pour l’homme d’affaires, quelque chose d’analogue à un bon fauteuil qui le délasse de ses fatigues physiques.

Il a eu le grand mérite de rendre le bonheur intéressant.

Cela nous revient en mémoire en cette fin d’année 2020, à nulle autre pareille.

Maryse Verfaillie – décembre 2020

Œuvres à voir au Centre Pompidou, pendant l’exposition Matisse, comme un roman ; ou dans deux musées qui lui sont dédiés : au Cateau-Cambrésis et à Nice

Matisse, comme un roman ; ou dans deux musées qui lui sont dédiés : au Cateau-Cambrésis et à Nice